EL CAMUFLAJE
Para la realización del PROYECTO he tomado como referencia a Liu Bolin, artista chino que recurre al camuflaje en su obra llamada “Hiding in the city” [“Escondido en la ciudad”]. Su arte consiste, literalmente, en hacerse invisible. La motivación de Liu Bolin para su trabajo es su deseo de querer mostrar cómo la ciudad y sus alrededores afecta a sus habitantes. El ve su arte como una silenciosa protesta contra la persecusión de artístas que realiza su gobierno.
Otros artistas que también han influido en la elección de mi propuesta son: Emma Hack, Eva Lootz (“Viajes de agua”), Desiree Palmen…
Me ha parecido interesante el planteamiento de colocar modelos pintados con la misma tonalidad y detalles que los fondos y fotografiados posteriormente. Con lo cual, mi idea en este trabajo era probar la experiencia de esos modelos que tratan de pasar desapercividos ante la realidad. Experiencia en la cual me he enfrentado a determinados problemas a la hora de su realización.
El lugar escogido para el camuflaje es un cuadro que hay en uno de los pasillos de mi facultad. Alguna complicación, por ejemplo, fue el material empleado para el camuflaje: una funda de trabajo pintada con acrílico. El color de la tela complicaba el camufaje, puesto que en el cuadro no había nada que fuese de color azul.
La sensación de tratar de camuflarte y a la vez ser “percibido” y observado , hace que te conviertas en el centro de atención de múltiples miradas aunque tan solo sea por un momento. No solo formas parte de una pieza al ser camuflado en ella, sino que también “haces función” de una propia escultura integrada en el cuadro. Quizás, esas personas que pasaron por delante del cuadro, no se habrían parado a mirarlo detenidamente si fuese de otra manera.
RETRATO HUESOS – MÚSCULOS
TÍTULO: “Retrato Huesos – Músculos”
TÉCNICA: Grafito y lapiceros de colores
TAMAÑO: DIN- A3
AÑO: 2010
CAMINO, dirigida por Javier Fesser
Camino (2008)
Inspirada en hechos reales, CAMINO es una película que nos transmite una aventura emocional en torno a una niña de once años que se enfrenta a dos sentimientos completamente nuevos para ella que experimentará a la vez: el amor y la muerte. Es la historia de los tristes últimos días de Alexia González-Barros, la cual padecía un tumor en la columna vertebral, que la hacía permanecer acostada soportando fuertes dolores durante varios meses antes de su muerte.
Alexia y su familia pertenecían al OPUS DEI, facción integrista de la religión católica que ha hecho todo lo posible para conseguir su beatificación. Un tema que ha traído consigo numerosas críticas e incluso denuncias por considerarse que éste ha utilizado a Alexia como icono de mártir, para santificar el dolor y justificar la sumisión a sus postulados.
La niña, animada por su familia y asesores religiosos aceptó su enfermedad, el dolor y el sufrimiento y los consideró “una bendición” hasta el día de su muerte. Pero la película nos plantea, además, otro tipo de momentos que la propaganda católica oculta. Así como el que la niña pensase en situaciones que podría disfrutar si no fuese a causa de su enfermedad.
Está claro que lo que más llama la atención de la película es la historia, la cual resulta así de impactante gracias a la magnífica realización de Javier Fesser.
El director cuida la imagen, los encuadres, las escenas, el guión… pero sobre todo el proceso de trabajo y el entusiasmo que se percibe por detrás de lo que ofrece al espectador.
Centrándonos en la música, Manuela Velles (hace de Nuria, la hermana de Camino), participa en la banda sonora de la película. Aspecto que tiene una importancia relevante, puesto que ayuda a que la película se perciba con un mayor énfasis emotivo.
Un magnífico y controlado proceso de elaboración que hace que la película reviva por sí misma.
CAMINO ha ganado los premios GOYA a la mejor película, dirección, guión original, elaborado por el director Javier Fesser; a la Mejor Actriz, Carmen Elías; al Mejor Actor de Reparto, Jordi Dauder, y a la Mejor Actriz Revelación, Nerea Camacho.Venía avalada por otros galardones: el Jose María Forqué, y el Sant Jordi entre otros.
Sin duda una de las mejores películas españolas.
A SANGRE FRÍA, de Truman Capote, en tres películas muy diferentes.
Basada en hechos reales, la historia se desarrolla en un pueblo de Kansas, donde los cuatro miembros de la familia Clutter son asesinados sin escrúpulos en su propia casa. En el transcurso de la lectura, nos vamos encontrando con diferentes perspectivas ante lo sucedido. Versiones narradas desde el propio pensamiento de los asesinos, hasta las diferentes situaciones en las que se encuentran los personajes. Dick Hickcock y Perry Smith, son ahorcados como culpables de las muertes en la penitenciaria del estado de Kansas el 14 de abril de 1965.
Truman Capote se consagró como uno de los grandes escritores de la literatura norteamericana del siglo XX, tras una minuciosa dedicación a la investigación sobre lo ocurrido. Tal ha sido su éxito, que posteriormente a su novela se han realizado tres películas: “A Sangre Fría” (In Cold Blood) de Richard Brooks, 1967 (representación de la historia en la novela), “Capote” de Bennet Miller, 2005 e “Historia de un crimen” (Infamous) Douglas McGrath, 2006. Estás dos últimas se centran en un planteamiento en donde se nos cuenta como el propio autor del libro ha seguido sus pasos hasta llegar al resultado de su novela, a la conclusión de su historia.
ANÁLISIS DE LAS PÉLICULAS
A sangre fría (In Cold Blood), Richard Brooks
En 1967 se lleva a la pantalla la escalofriante historia, caracterizada por el impacto que ha causado todo lo real que acontece en ella.
La película nos cuenta de manera muy cercana a la del libro todo lo ocurrido en 1959 en Holcomb. Una situación que lleva a la desconfianza de los vecinos y a la inseguridad de si ellos también podrán ser asesinados.
Teniendo en cuenta el año en que ha sido llevada a cabo esta producción, quizás no resulte físicamente tan atractiva la película hoy en día. Con esto me refiero al empleo del blanco y negro en la pantalla. Este recurso permite acercarnos más a la distancia en el tiempo en la que se haya lo ocurrido.
El ritmo de narración se muestra de manera fluida, aunque en ciertas ocasiones sería necesario conocer previamente la historia para seguir lo que se está observando ( por ejemplo cuando se hace mención del pájaro con el que Perry Smith solía soñar cuando era pequeño.Se hace referencia a él, pero no se entiende muy bien por qué se habla del pájaro). Hay situaciones que se dan por conocidas y que de otra manera nos resultan casi obvias, pero para ello sería precisa una primera lectura de la novela. En otras ocasiones, se recurre a los flashback para hacer referencia, por ejemplo, a los sueños y recuerdos de Perry Smith. Destaca también el paso de unas escenas a otras a través de transiciones que enlazan a unos personajes con otros. [En el espejo, cuando el señor Clutter está afeitándose en el baño. Se produce una transición y se e a Perry Smith mirándose en el espejo cuando llega a la estación].
En relación a los planos empleados, se utilizan (en cualquiera de las tres películas) los planos panorámicos para una presentación del lugar. Plano- contraplano (en la carretera) y picados, contrapicados y primeros planos (para crear tensión e intensificar la inquietud del espectador).
En cuanto a la imagen, es interesante el empleo de la iluminación y el contraste que se produce entre lo oscuro y lo claro (aunque de esta forma se muestre carente de una amplia gama de grises). En determinados casos se hace uso también para aumentar el grado de tensión visual en el transcurso de las escenas, así como el empleo de los silencios introducidos en el guión de los personajes, o mismo la música que va en acorde con lo que pasa a cada momento.
Capote, Bennett Miller
Dirigida en 2005 por Bennett Miller, Capote es una película que narra una etapa en la vida del escritor estadounidense Truman Capote. Un trabajo de investigación y análisis que llevó a cabo para reseñar el asesinato de los Clutter, cuyo guión está basado en el libro de Gerald Clarke, “Capote y una biografía”.
En oposición a la película rodada años antes (“A sangre fría”), esta se ha hecho en color. De igual manera, puede percibirse una mayor calidad en la imagen, y un guión apropiado y característico para la película, con mayor índice de violencia explícita a lo largo del desarrollo. Gran variedad de planos, y elementos de tensión tales como el empleo de la música (aunque quizás no se le da tanta importancia en esta reproducción como en “A sangre fría”, por ejemplo), la iluminación, pero sobre todo la frecuencia de los primeros planos para un mayor énfasis.
Bennett Miller nos ofrece una visión sobre el proceso que Truman Capote sigue para su redacción, así como de las diversas anécdotas que acompañan su trayecto en la experiencia. Así pues, hacemos referencia a ese lazo estrecho de confianza que el escritor entabla con Perry Smith, así como enfatiza su carácter de homosexualidad.
Historia de un crimen (Infamous), Douglas McGrath
Película dirigida por Douglas macgrath y protagonizada por Toby Jones, Sigourney Weaver, Gwyneth Paltrow, Sandra Bullock (caracterizada por Harper Lee), Michael Panes, Hope Davis, Frank G. Curcio, Isabella Rossellini, John Benjamín Hickey, Meter Bogdanovich, Jueff Daniela, Lee pace y Daniel Craig.
Nuevo acercamiento a la figura del novelista Truman Capote, prácticamente simultáneo al film Capote, estrenado un año antes. Esta nueva versión resulte algo repetitiva en función de que ya se conocía, en cambio, lo que principalmente las diferencia son las fuentes en las que los directores se han basado para su interpretación (la fuente de Bennett Miller era la biografía de Gerald Clarke, la de McGrath la de George Plimpton). Ambos filmes se desarrollan en función de la novela de Truman Capote (“A sangre fría”). Partiendo de ahí se incluyen elementos que nos ayudan a acercarnos a la vida del autor, proporcionados por los personajes y por sus conocidos a lo largo de su trayecto en la investigación, que nos relatan en un supuesto programa televisivo, una novedad que se utiliza como introducción al film.
En cuanto a la imagen se juega más con el tema del color y los vestuarios y los decorados son más excéntricos. Junto con esto, el empleo de la iluminación también está destinado a una mayor percepción de la imagen y, a su vez, del transcurso narrativo. Se emplean elementos de tensión como los contrapicados en oposición de los inmediatos picados [cuando están el inspector resolviendo preguntas de los periodistas aparece en la parte superior de la escalera y se enfoca desde abajo. Inmediatamente, Truman Capote habla, y se dirige la imagen hacia el desde la parte superior de las escaleras hacia abajo. Se marca de esta manera una diferencia de posición al comienzo de la historia entre ambos personajes].
ANÁLISIS COMPARADO
Analizando las tres películas y comparándolas con la novela de Truman Capote, podemos obervar una gran diferencia entre el cine y la literatura.
En el transcurso de la lectura se percibe una especial atención del detalle. Te envuelve la historia a medida que avanzas en los acontecimientos, y de esta forma te permite ser partícipe de una manera más directa en lo que está ocurriendo (siempre como espectador). En cuanto al punto de vista de Perry Smith, se advierte como una especial atención. Hay más datos, y como que de forma casi inconsciente, se observa una intención y una preocupación por que al receptor le quede claro que el personaje no era una mala persona, a pesar de las atrocidades cometidas.
El libro te hace reflexionar sobre el tema de la pena de muerte y las situaciones en las penitenciarías de América. Si realmente personajes como Perry y Dick deben ir a la cárcel y ser asesinados o si quizás podría existir otra alternativa para estas personas con “personalidad desordenada”, con problemas sociales tan profundos en los que nunca nadie suele reparar hasta que algo terrible e irremediable sucede.
Si prestamos atención al guión de las películas, nos damos cuenta de que cada director se ha centrado en destacar aspectos diferentes de lo hipotéticamente sucedido. Ponemos como ejemplo, el supuesto enamoramiento homsexual entre Perry Smith y Capote así como la agresión en la celda, casi asemejada a una violación (“Historia de un crimen”). O bien cuando al final de la historia, Capote afirma a sus amigos, una vez de regreso de Kansas, que Perry Smith pidió perdón antes de ser ahorcado, cuando anteriormente el espectador puede comprobar que no es así (“Capote”). Este es un detalle que llama bastante la atención , pues en ninguna de las tres películas es lo mismo. En “A sangre fría” si que pide perdón y en “Historia de un crimen” ni siquiera de menciona.
Otros aspectos que ponen en continua duda al espectador, es la incerteza de lo que ha pasado realmente en casa de los Clutter. Hay versiones que dejan en duda si han sido ambos culpables los asesinos o si de los contrario solo fue Perry Smith el que apretó el gatillo.
En cuanto a la intención del guión en las dos últimas películas se centra en remarcar la figura social de Truman Capote. Las diferencias argumentales nos permiten fijarnos, además en frases tales como: “¿Todos me llaman señora por crueldad o porque realmente se confunden?” (Truman Capote, en “Historia de un crimen”); “Amigo hasta el final. Para lo bueno y lo malo. Hasta que la muerte os separe” (Dick Hikcock, en “A sangre fría”). Frases que son cómplices de un cierto toque cómico en la historia que atrae al espectador.
La fotografía es de gran calidad en las tres películas, aunque tiene ciertos matices que caracterizan a cada una de ellas, como es el caso del empleo del blanco y el negro en “A sangre fría” y el color en las otras dos. O bien la ampliación cromática que se utiliza en “Historia de un crimen”. Son aspectos que influyen en la manera en la que percibimos la historia que se nos está contando.
DIBUJO DEL NATURAL
TÍTULO: Dibujo del Natural (ejercicio 4)
TÉCNICA: Carboncillo
TAMAÑO: 100 x 70 cm
TIEMPO EMPLEADO: 3 horas
AÑO: 2009
CIDADE DE DEUS
La película “Cidade de Deus” (Ciudad de Dios) de Fernando de Meirelles (año 2002), presenta una mezcla de violencia, pobreza, ignorancia y tropicalismo que amenaza con mostrarnos una historia demasiado dura. Comprendida desde la década de los 60 hasta los 80, y de forma excepcional e innovadora, el talento visual está al servicio de una narración densa pero que a la vez mantiene atento al espectador. El ritmo y el desarrollo de la historia, el montaje, la utilización de la música y la capacidad para hacernos ver la belleza en medio de lo terrible, son una globalidad de lo que se desarrolla a lo largo de la película. Sin embargo, ésta se plantea enriquecedora, y narrativamente interesante.
Se cuenta la vida entrecruzada en la favela “Ciudad de Dios” de Rio de Janeiro con adolescentes y niños sin futuro pero con pistolas, sin posibilidades pero con drogas, sin trabajo pero con ira, mucha ira. En el trasfondo se observa un mundo que les da pocas posibilidades, y ellos aprovechan menos aún, una policía corrupta y asesina. Un lugar donde la vida vale menos que la bala que se dispara para acabar con ella. Las peleas entre las bandas, las del violentísimo Ze pequeño y la de Cenoura, trata de reflejar el dominio y el control de la droga y la violencia en espiral. A medida que el tiempo pasa y los personajes van creciendo, la película alcanza un punto en el que promete una nueva ronda de violencia sin fin en manos de unos niños. Podemos observar una imagen de una sociedad brasileña que está muy cercana. Los hechos están basados en historias reales. En cambio, también puede darse el caso, como el del protagonista Buscapé, de que se encuentre un rayo de luz para salir de ese purgatorio. Como se dice en la película, se convierte en un infierno.
WAKING LIFE
Waking Life es un film animado mediante la técnica de rotoscopia, dirigido por Richard Linklater, hecho en el año 2001.
La película nos plantea una relación entre la vida y los sueños y podría entenderse como una especie de documental que es el que caracteriza la animación. Los diferentes personajes responden a preguntas con las que el propio director se va tropezando a lo largo de su vida, así como las personas a quienes dirige sus dudas. A medida que avanzamos en la película, nos encontramos con respuestas y opiniones muy diferentes, temas muy variados, pero con un lazo en común: los sueños.
En la historia se cuenta que un chico, tras un accidente, empieza a tener sueños en los que se encuentra a toda clase de excéntricos personajes con los que mantiene diálogos existenciales perfectamente lúcidos sobre temas como el tiempo, la sociedad, el existencialismo, la filosofía, el cine, la mente humana, la abstracción… sobre la vida en definitiva.
Para el espectador resulta atractivo e interesante lo que se está contando, puesto en que diversas ocasiones sucede que se acerca a la propia realidad de su experiencia. Es sencillo estar atento a lo que nos están contando, aunque puede que haya ocasiones en las que no entendamos mucho a cerca del tema que nos están hablando, lo cual puede resultar algo pesado si hablan durante demasiado tiempo seguido. Aún así, cuanto más adentro se encuentra uno en la historia, más se empieza a razonar y a meditar a cerca de lo que percibimos, incluso cuando se termina de ver la proyección. Es simplemente como una especie de impulso que lleva a debatir la película.
En cuanto al planteamiento de la animación, la película es rodada primeramente con actores reales, cuya imagen va a ser posteriormente coloreada, con la finalidad de adquirir un ambiente que se asemeje más al mundo de los sueños. La técnica empleada es la conocida con el nombre de “rotoscopia”. Con este parecido a los personajes de animación, resulta interesante y llamativo el gesto y las expresiones de los personajes mientras exponen sus ideas. Y se presta atención a detalles también del escenario y del vestuario que, debido al continuo movimiento de la imagen, hace que sea más dinámica la visualización.
En relación al tipo de planos, se observa una abundancia de los primeros planos y los planos medios de los personajes. Quizás se deba a esa intención de que se parezca más a una conversación entre el actor que cuenta la historia y el espectador. Esta forma de plantear la película ayuda a lo que anteriormente se ha estado repitiendo.
Entrada a un museo
¿ Qué decís de esto? ¿ También es arte la destrucción del “arte”?
